A Representação Artística do Simbolismo da figura feminina VI

Virgindade e Pureza

Detalhe da Nativitá con Padre e lo Espirio Santo

Paleta delicada . Suavidade extraordinária,

modulação sutil das formas , gradação de

luz típicas da pintura veneziana

Detalhe da cabeça Virgem

Murilo A Virgem Dolorosa

Retrata a dramaticidade da

pintura espanhola católica

Pedro Americo Santa Virgem

Inspiração da Mater Dolorosa

Obra de origem academicista

Retábulo Madona sentada com o cônego Van de Paile –1436

Jean Van Eyck inova com a ars nova . O realismo dissimula o simbolismo .

Simbolismo: reparem no papagaio verde ao lado do Menino no colo da Madona .

Dizia-se a época que o papagaio podia dizer AVE a saudação que o anjo transmitia a Virgem , a mensagem divina . Da mesma forma que as penas do papagaio não ficam molhadas Maria ficava incólume a tentação da carne pelo significado simbólico .

O cônego Van De Paile que encomendou o retábulo

em veste litúrgica medieval branca com sobrepeliz

lendo o livro de horas é apresentado a Virgem por

São Jorge. São Donaciano em pé com veste litúrgica

brilhante e colorida. O painel é notável pela finas

vestes, brocados e sedas . Os santos são identificados

em latim no bordo das molduras . As minucias que determina

o espaço caracteriza as pinturas Flamenga e Holandesa. Pintura sobre carvalho

Duccio Buonasegna Madona de Rucellai

A Madona de Rucellai foi realizada primeiramente para a Igreja de Santa Maria Novena

Possui estilo próximo do bizantino pelo fundo dourado e cenas familiares

Duccio Buonisegna trabalhava com modelagem cores claras e escuras para revelar as figuras debaixo das pesadas roupagens

– mãos e pés tornam-se arredondados

e tridimensionais. Suas obras são acolhedoras com detalhes delicados e com complexa organização espacial.

Seus personagens interagem ternamente Duccio dá atenção as emoções.

a A Virgem e o pequeno Cristo tornam-se

mãe e filho .

Rafael Sanzio O esponsalício o casamento da Virgem

A inspiração evidente é de Perugino seu mestre

A cena do casamento situa-se em primeiro plano

As figuras de Sacerdote Maria e José estão no centro

a cena está colocada no meio do quadro. Ao lado de Maria algumas

figuras femininas e todas as figuras masculinas portamuma haste de flor

mas a única que florece é a de José

escolhido para esposar a Viregem Maria grávida do Espírito Santo?

Uma das figuras quebra a haste com o joelho insatisfação por não sido apontado para noivo de Maria?

O quadro revela como Rafael realizou uma perspectiva de um ponto de fuga com maestria , ponto que se encontra na portal de entrada do tempieto . Observe que as linhas do

chão convergem em sua direção . Observe que as figuras ao

fundo diminuem de tamanho e nenhum detalhe é observado

ao passo que as figuras em primeiro plano são maiores suas

cores fortes e desenho preciso. A cena mostra o Sacerdote

segurando a mão de Maria e a levando até a mão de José o

Sacerdote os abençoa .

Sandro Botticelli Madona Magnificat

A delicadeza do rosto da Virgem chama atenção

mas é característica do pintor . ela está escrevendo

diferindo de outras Madonas . Não Há registro de

comanda entretanto o formato redondo , Tondo, e as

dimensões indicam uma pintura de devoção

privada , para uma antecâmara de um quarto. O

espaço coloca em evidencia a Madona e o menino

como sucede num espelho convexo que aumenta o que reflete (magnifies) .

Recurso muito usado na fase Maneirista da

estaria na História da Arte. Outra pista da

encomenda na página do livro onde a palavra

benedictus a esquerda e que no Cântico de Zacharias

foi pronunciada no nascimento de São João Batista .

Como o Santo é padroeiro de Florença é possível que

o comandatário fosse um Médici. Até acredita-se que

a familia Medici esteja representada. É chamada de

Madona Magnificat pelas palavras da página do livro

Onde se lê o canto Magnificat anima Dominum . A

Madona é representada como a rainha do céu com

anjos segurando a coroa com com doze estrelas . A

coroa era usada pelos doutores da Igreja indicando

atividade intelectual .

Detalhe

A raridade de Maria estar escrevendo condiz com o surgir

de mulheres eruditas no Quattrocento . Mas havia outra

intenção ao representar a figura da Virgem escrevendo,

ela foi a única a conceber sem o ato sexual , mostrando

que era quase impossível encontrar mulheres que

possuíssem o mesmo intelecto que os homens . Opinião essa compartilhada

pelos humanistas em cartas enviadas

a algumas escritoras do Quattrocento quando exaltavam

o conhecimento intelectual da mulher afirmando o quanto

era a única dentre as mulheres . Na cena o menino parece

segurar o braço da Virgem que escreve , os doutores da

Igreja buscavam inspiração olhando aos céus e nos

discretos raios divinos que os atinge , aqui quem olha para

o alto e em direção aos raios que emanam do Espírito Santo

no topo da obra é o menino. Seria o ser do sexo masculino

o intermediário , entre a mulher e o ato de escrever .

Observar a obra nos mostra quão contemporânea pode

ser . Apesar da sociedade ter mudado bastante as mulheres,

em teoria , terem a mesma liberdade que os homens ainda

é esperado que ela seja bonita e inteligente mas, sempre

causa estranheza a inteligência e a capacidade de ter

conhecimento sobre algo . Laura Cereta uma das

humanistas vista como exceção por seu alto conhecimento ,

defendeu que a razão é dada a todos os seres humanos

e que o conhecimento é adquirido através de dedicação

e vontade . Que Mulher Sábia essa Laura Cereta!!

Gustav Klimt A Virgem

Vemos ao lado a representação de Klimt

que foi precursor do movimento Sesssection

o Art nouveau vienense ou melhor austríaco.

Afastando-se buscou inspiração no movimento

Simbolista . Representa a Virgem parece que

envolta em uma nuvem ou aureola multi-colorida .

Seu corpo apresenta-se indefinido apenas os braços e o rosto reconhecíveis como de uma figura feminina qualquer .

Nesta obra Klimt assume a modernidade :

figura indefinida , cena sem lógica , abandono da forma

realista do corpo , arbitrariedade na utilização das cores

irreverencia na representação da Virgem e um quase total

estranhamento da representação .

El Greco A dormição da Virgem ou Teotokos

É uma grande festança da Igreja Ortodoxa Grega e Ortodoxas Orientais

e Católicas Orientais .

É celebrada a quinze de agosto é a mesma festas da Assunção da Virgem antes de ser

elevada .

Entretanto as crenças diferem entre si .

A ortodoxia diz que Maria passou por morte natural e sua alma foi recebida por

Cristo ou que no terceiro dia seu corpo foi

ressuscitado e levado ao céu para

juntar-se a sua alma e recebida por Cristo

O ensinamento católico defende a Assunção imediata .

O Papa Pio XII no dogma da Assunção deixa a questão

em aberto . O Papa João Paulo V afirmou que Maria

experimentou a morte e ascendeu . El Greco ilustra o

episódio mesclando o estilo pós bizantino com o

maneirismo . Observa-se a Virgem aureolada deitada

no leito de morte cercada pelos evangelistas e Cristo

iluminado inclinado sobre ela dando-lhe creio que a

extrema unção . Acima do corpo uma auréola dourada

com a figura de dois anjos a elevam ao céus e logo acima

a virgem reaparece sentada vestida com sua túnica como

que ressuscitada . Somente em 1983 se descobriu a

assinatura de El Greco na base do candelabro em primeiro

plano .

Michelangelo d`Amerisi da Caravaggio

A Morte da Virgem

Este é maior quadro de altar pintado por Caravaggio .

Encomenda o advogado do Papa Laerzio Alberti Cherubini

para a sua capela na Igreja das Carmelitas de Santa Maria

della Scala em Roma . Vale conhecer . O quadro foi logo recusado pelo clero por considerar a obra ofensiva a

Igreja . Aliás esse não foi o primeiro embate com a Igreja .

A Virgem encontra-se pintada com o corpo inchado e as

pernas descobertas , parece que o pintor utilizou como modelo uma

mulher afogada .

Os apóstolos são apresentados como pessoas comuns pouco

reconhecidos . O homem idoso a esquerda poderá ser São Pedro ,

o ajoelhado seria São João .

A única mulher presente , Maria Madalena encontra-se sentada ,

vestida humildemente , cabelos desgrenhados e o rosto coberto com

com as mãos .

A única marca da presença divina é um halo quase invisível sobre a

cabeça da Virgem . É o estilo caravaggesco que

retrata o essencial .

Caravaggio se caracteriza pelo realismo que imprime as suas obras.

Manoel da Costa Atahyde A Glorificação de

Nossa Senhora

O teto da Igreja de São Francisco de Assis em Ouro Preto é sua criação mais afamada. O medalhão central trata da gloriosa Assunção da Virgem, que aparece rodeada por uma orquestra de anjos de todas as idades. Maria tem traços amulatados, como ocorre com vários anjos, e está em atitude de oração assentada num trono de nuvens, rodeada por raios de luz e apoiada em um crescente lunar. A composição é complexa, ricamente colorida e integrada em si mesma e em relação à arquitetura da igreja. Carla Oliveira afirmou que "ali naquele forro abobadado está cristalizado não só o amálgama entre ambos os estilos [o Rococó e o Barroco] mas, de forma mais contundente, também transparece visualmente o hibridismo do discurso visual construído durante o século XVIII na Capitania das Minas".

Nas palavras de Carlos del Negro, (foi meu professor de desenho na Faculdade Nacional de Arquitetura Universidade o Brasil )

"O tom aconchegante e acariciante da luz que banha toda a composição do medalhão , revela um certo grau de intimidade, consonância e vibração dos habitantes desse céu. Todas as figuras da composição só têm autonomia em função do conjunto. A orquestra é um segundo centro da composição pictórica pois determina a distribuição espacial dos músicos. Poderíamos dizer que nesse forro ele pintou uma partitura e executou uma pintura. Essa foi uma inovação importante da pintura de Ataíde: introduzir no universo iconográfico da pintura religiosa a música; entra-se no céu ao som musical de uma orquestra celestial. A transposição da música para o paraíso, revela o valor estético e sagrado que esta linguagem adquiriu no simbolismo religioso das Minas Gerais”,

Se tiverem oportunidade de conhecer Ouro Preto, Mariana, e visitar as Igrejas não deixem passar a oportunidade . Conheçam o nosso Barroco-Rococó.

Mestre Athyde se utilizou de cartões com obras européias dos grandes mestres dos estilos Barroco e Rococó . Sem dúvida ao amulatar seus modelos lhes lançou brasilidade .

Gil Vicente ( Mestre Sandoval) Assunção da Virgem

Gil Vicente pintor renascentista português , vemos uma pintura realizada entre 1490-1518 de finalidade da oficina coimbrã

(Mestre Sandoval) obra destinada ao Convento de Santa Clara – velha em Coimbra, hoje encontra-se no Museu

Nacional Machado de Castro na mesma cidade . A inserção de Armas da Rainha Leonor no fecho da capa do anjo do

ajoelhado à esquerda e do camaroeiro

ouro símbolo da rainha que se espalha

na decoração dos tecidos indicam ou provam a comanda .

O historiador Joaquim Caetaneo propôs outra proveniência do Retábulo como tendo sido

do Mosteiro de Santa Cruz, Coimbra

E fixando a data entre 1510-1520 .

A obra constitui-se de sete pranchas verticais e representa o episódio

dogmático católico . Em primeiro plano a Virgem sobe aos céus

amparada por dois anjos , um de cada lado . Deus Pai visível no canto

superior esquerdo rodeado por uma mandorla de querubins a espera

enviando-lhe raios de benção. Num plano inferior mais distante ao nível

térreo os apóstolos junto ao túmulo vazio observam o milagre da Assunção .

Portugal praticamente não sofreu influência dos modelos italianos , renascentistas e barrocos por ser um país da península Ibérica voltada para o Oceano Atlântico que muito contribuiu para as navegações e o isolou do resto da Europa desenvolvendo seu estilo próprio como vemos ao lado .

Pier Paolo Rubens Assunção da Virgem

Pintura concluída em 1616 como retábulo para o altar-mor

da Catedral de Nossa Senhora de Gand Antuerpia. Nessa apresentação

da Assunção da Virgem ela é elevada por um coro de anjos num movimento espiral

na direção de uma explosão de luz divina

Em primeiro plano em torno de seu túmulo estão os doze apóstolos

alguns com os braços levantados em reverência ao evento divino

outros agachados sobre o túmulo vazio pegando a mortalha descartada .

Três mulheres são representadas que imaginamos serem Maria Madalena

e as duas irmãs da Virgem . A figura feminina ajoelhada segura uma flor

que miraculosamente parece encher o túmulo vazio. Em verdade flores

não são de uso em enterros judaicos e Maria era judia . Creio mais

numa licença poética de interpretação , creio que a figura segura um

livro para a oração fúnebre do Kaddish hebraico . A cena é um exemplo

do movimento flamengo barroco, pela movimentação das figuras, pelo

caimento das dobras do tecido das vestes , pelo jogo de luz e sombra

pontuando as luzes e principalmente pelo movimento sinuoso do corpo da

da Virgem , pela movimentação dos puti em blocos pelo vôo do anjo que

carrega a coroa da Virgem e principalmente pela ênfase da iluminação que

envolve a cabeça da Virgem tornando-a o ponto principal do olhar do espectador .

A boa e extremada mãe

Rafael Sanzio La Belle Jardinière

A Virgem o menino e São João Batista

Nâo se conhece as circunstâncias da

comanda embora assinada as datas

incritas levam duvida dobre quando

foi criada em 1507ou 1508 . Foram

muitas as madonas criadas por Rafael

no seu período florentino . Note-se o

equilíbrio geométrico ao qual atende a

composição , agrupando as figuras ao redor de uma estrutura piramidal assim

como o uso do chiaroscuro leonardesco

A Madona está sentada provavelmente sobre uma pedra , uma vez que a cena se passa ao ar livre .

A cena mostrada ao fundo enfatiza a

profundidade e enfatiza o primeiro plano

onde as figuras se encontram destacadas

O rosto da figura retrata tranquilidade e olha ternamente para o menino

segura-lhe o braço com uma das mãos

com a outra as costas , dando-lhe a segurança

para que permaneça encostado no seu joelho .

O menino que está nu olha para a mãe

sentindo-se seguro e amparado .

São João Batista encontra-se ajoelhado

junto a Virgem e olha com muito carinho para

o menino . Diferenciando-se por possuir uma veste

e um tipo de cajado que termina em cruz .

Rafael Sanzio Madona Aldobrandini

0leo sobre madeira . Existem estudos preparatórios

Para essa pintura n “caderno rosa” incluindo uma série

de esboços com estudo para outras madonas Essa estava

em posse da Familia Adobrandini até o século XIX .

Essa Madona pertence aos primeiros trabalhos de Rafael em Roma . A composição atende ao principio

piramidal que lhe fornece o equilíbrio comum às obras renascentistas

O menino encontra-se no colo da mãe e São João Batista de

pé seguro pela mão da Virgem oferendo uma flor ao menino .

A madona está sentada no que parece ser um banco junto as

janelas . A Virgem possui um débil halo sobre a cabeça indicando

sua divindade . Ao fundo pelas janelas observa-se uma paisagem citadina

Rafael Sanzio Madona da cadeira

Esta Madona difere das outras executadas por Rafael

pela peculiar composição harmonizando as três figuras

com a forma circular do painel , Tondo , posicionando-as

mais próximas do espectador, criando a impressão de um

espelho convexo O olhar da Virgem e do menino voltados

diretament ao espectador criam uma atmosfera de interação

rara em Rafael . Observem que a Virgem está representada

como uma mulher do povo em trajes e toucado de época o

menino lembra um bebê roliço que se encontra vestido

contrapondo-se aos demais representados nus . Quanto

a São João Batista somente seu rosto aparece olhando

a Virgem e o menino , parece mais um irmão mais velho .

Sabemos que a figura feminina apresentada é a Virgem

pela parte do halo sobre a cabeça que aparece na parte

superior à esquerda . Vemos uma humanização na figuras

deste Tondo sem perder a significação e o simbolismo

que representa . O rosto da Virgem é caracteístico de Rafael

assim como a representação do menino rechonchudo

percebido nas dobras mostradas nas pernas e a tonalidde

delicada da tez . Talvez essa seja a obra prima das Madonas

Eu particularmente acredito que houve uma superação de

um Rafael talvez mais maduro dominando a técnica , o

colorido e a forma mantendo o equilíbrio da composição .

Francesco Mazzola dito Parmigianino Madona do pescoço longo

Esta é a única Madona que sugere uma

aparência mundana . Nota-se a presença

de uma deformação na figura da Virgem

que lhe dá graça e sofisticação. Esse

alargamento pode também ser notado

na perna do ano em primeiro plano . O

menino também se encontra com o corpo

alongado no colo da Virgem essa distorção

o faz parecer mais velho . A Virgem sentada

em almofadas com parte de uma coluna atrás

e a cortinado atrás do grupo de anjos dá a

Impressão de indefinição de tempo e espaço.

A distorções das figuras não significam que o

artista seja ignorante da proporções corretas

uma escolha em buscar de outra forma o efeito

da beleza . Trata-se de uma maneira mais rebuscadade projetar a figura da Virgem cujo rosto

difunde a paz .

Um contraponto entre a serenidade da Virgem e o espaço

conturbado dos anjos . Diríamos que são dois tempos do

mundo irreconciliáveis mas próximos apesar da inquietação

de um e a paz do outro projetada na figura da Virgem.

É uma característica do Maneirismo .

Rafael Sanzio A Sagrada Familia Caningia

O nome da obra é indicação da comanda a Rafael . A obra é

composta pela Madona, o Menino Jesus Sta Isabel e João Batista

As figuras encontram-se num gramado de ambiente rural , ao fundo

algumas edificações e colinas cobertas de relva formando uma bela

e tranquila paisagem . Os figurantes encontram-se descalços sobre

a relva . O grupo de composição piramidal um esquema comum a Rafael

Indicando o equilíbrio da composição . A ponta da pirâmide encontra-se

Cabeça de São José , uma auréola dourada situa-se acima da cabeça de cada personagem indicando sua divindade . As roupas coloridas absolutamente harmonizadas e articuladas, fornecem relevo ao conjunto de personagens

Em primeiro plano estão a Virgem e sua prima Isabel e o espaço entre elas

Está ocupado pelas crianças , cuja nudez indica a pureza do Menino Jesus e

João Batista . As duas figuras femininas estão com as cabeças inclinadas par

o centro da tela e próximas ao corpo de São José em segundo plano ele ao

inclinar-se sobre o grupo , traz o joelho direito dobrado com o pé visível entre

os dois meninos enquanto se escora em seu longo cajado . Os pequenos João

Batista e o menino Jesus interagem brincando. Acima sob o céu anilado um

grupo de sete anjos cinco esquerda e três à direita parecem emergir de

pequenas nuvens velando pela família . No rosto da Virgem sereno e doce transparece o amor maternal ansiado e almejado . Sta Isabel mais velha parece conversar com São José , talvez sobre o conhecimento da Virgem adquirido no livro entreaberto na mão direita .

A restauração competente do conservador alemão Hubert von Sonnenburg restituiu a obra sua originalidade e a capacidade de apreciar a tonalidade do céu de Rafael e os anjos da parte superior da tela .

Michelangelo Buonarroti Tondo Doni

A ocasião para a pintura pode ter sido o batismo da primogênita Maria de Doni em 1507 ou, menos provavelmente, o casamento de Agnolo Doni com Maddalena Strozzi em 1504. Michelangelo era amigo de Doni e já havia ganhado uma fama considerável com a escultura de David. A sagrada família era o tema apropriado para um batismo e a moldura redonda, apesar das restrições que impõe ao pintor, era a forma adequada para uma ocasião doméstica. Vasari conta uma história da comissão do painel que diz muito sobre o personagem de Michelangelo e sua relação com o dinheiro. Depois de terminar a pintura, Michelangelo mandou coberto para a casa de Doni, pedindo 70 ducados. Mas Doni, que era um homem prudente, achou que essa quantia era muito e que 40 poderiam ser o suficiente. Michelangelo não gostou nada do fato!

A soberba moldura do painel é comumente considerada desenhada pelo próprio Michelangelo e esculpida por Marco e Francesco Del Tasso, descendentes de uma família de gravadores (seu pai, Domenico, falecido em 1508, é o autor do coro da Catedral de Perugia) . A moldura é característica das cinco cabeças salientes, derivadas da porta de Ghiberti para o Batistério de Florença. A cabeça mais alta é Cristo, os outros quatro são dois profetas e dois anjos. Foi sugerido que as quatro cabeças, todas olhando para o rosto no ponto inferior do quadro, sugerem ao observador o ponto de vista inicial da cena, de onde partem as linhas de movimento. As três luas crescentes no lado superior esquerdo da moldura e as quatro cabeças de leão lembram os brasões das famílias Strozzi e Doni

Descrição da cena e significado

A cena é composta por quatro níveis, em um espaço que parece esférico devido às cores contrastantes das figuras em primeiro plano, que as destacam das figuras desfocadas ao fundo. O primeiro nível é inteiramente ocupado pelas três figuras da Sagrada Família. Eles formam um grupo de estátuas. Maria, posicionada entre as pernas de José, tem a posição principal, José fica protetor em seus ombros. O Menino, que Maria tira ou passa para José, completa e preenche o espaço entre José e Maria. Ele é a conjunção entre os dois. O grupo da família é concebido como uma escultura e é apanhado no instante exato em que Maria se volta para levar (ou passar) o Menino. A plasticidade das formas é proporcionada pelo uso de cores cangianti, variando continuamente dos tons claros aos escuros. Essa técnica, que se tornará comum entre os artistas maneiristas, como Pontormo e Bronzino, permite a Michelangelo trabalhar a superfície do painel como um material sólido e tridimensional. O grupo está repousando sobre uma grama verde, onde os aglomerados de trevo podem fazer alusão à Trindade. As cores do manto de Maria são o tradicional vermelho e azul, mas a cromaticidade da cena é enriquecida pelo amarelo do manto de José, expressando autoridade, e o verde de um manto. A forma muscular, porém graciosa, da Madona antecipa as figuras das Sibilas no teto da Capela Sistina. As figuras como em outras obras parecem esculpidas característica presente nas pinturas de Miguelangelo. As figuras são escultórica , Bem definidas .

Os outros níveis são borrados, para indicar uma distância temporal (em vez de uma distância espacial) entre o tempo presente, representado pela clara Sagrada Família, e o tempo passado. O segundo nível é uma criança São João Batista, o patrono de Florença, que olha intensamente para o grupo onde está a outra criança, Jesus. Este nível é separado do primeiro por uma pequena parede, São João parece ficar isolado num local que por sua vez o separa do terceiro nível, cinco figuras de nus. Por fim, o último nível é uma paisagem azul com um lago e uma falésia.

Fica evidente, pela organização da pintura, a intenção de Michelangelo de inserir a Sagrada Família na história, e não na natureza, como Leonardo havia feito na pintura contemporânea da Virgem com o Menino e Santa Ana . Isso encorajou o florescimento de teorias sobre o significado da obra. De acordo com a teoria mais creditada, os diferentes níveis do painel simbolizam os diferentes períodos da humanidade. Os nus ao fundo representam o mundo pagão, a era ante legem: ou seja, antes da palavra de Deus. Eles são representados nus provavelmente para aludir ao batismo dos pagãos neófitos. Na verdade, a figura de São João Batista, que parece imerso em uma piscina de água, é a conjunção entre a velha e a nova era, representada pelo grupo das três figuras em primeiro plano: Maria representando o mundo post legem (o livro sobre as pernas) e Jesus, representando o mundo sub gratia . É significativa a semelhança entre o menino João Batista (o precursor de Cristo) e o menino Jesus .

Outra interpretação sublinha o âmbito familiar-doméstico da pintura, ao invés de seu significado religioso. Maria está se voltando para doar (isso pode ser uma alusão ao sobrenome Doni) a criança para Joseph. Nesse gesto, há uma partilha de responsabilidades entre os dois cônjuges. Os nus ao fundo também podem ser

vistos como atletas neoplatônicos da virtude, simbolizando a luta contra a vida não ativa .

Alguns detalhes do painel (Maria não usa véu, não tem nenhum símbolo religioso e parece esconder os órgãos genitais de Jesus com a mão) deram origem também a teorias mais excêntricas. Uma interpretação psicanalítica é que a mãe tem a mão no púbis da criança, a fim de iniciá-la na sexualidade, colocando-a em seu colo. Desta forma, seu destino seria a homossexualidade, já que criança iniciada na sexualidade muito cedo. A criança parece confusa, porque é observada com olhos inquisitivos por um pai não protetor, muito mais velho do que a mãe. A criança, portanto, está decidida a se tornar adulta por si mesma e a alcançar os jovens que estão atrás dela: ela não quer ser manipulada pelos adultos. É curioso notar como, após 500 anos, esta visão subverte completamente a descrição de Vasari da pintura em As Vidas (edição de 1568): “Michelangelo faz o maravilhoso contentamento da mãe de Cristo e sua afeição em compartilhá-lo com aquele velho abençoado (José) a ser conhecido na volta dela cabeça e em manter os olhos fixos na grande beleza da criança. José leva a criança com igual amor, ternura e devoção, como pode ser notado muito bem em seu rosto” ..

apresentação em Seminário de Historia da Arte em Londres 1964

Bartolomeo Esteban Murilo A Sagrada familia e o passarinho

Vemos uma cena de cunho familiar, nos detalhes que se desenrolam habitualmente nos lares espanhóis . Os pais desenvolvem suas tarefas cotidianas enquanto a criança brinca segurando um passarinho e com o cachorrinho branco de estimação . A Sagrada

Família é na verdade uma qualquer próxima do homem comum , tornando possível e acessível a compreensão . O evento sacro é uma situação do cotidiano . A religiosidade de Murilo é serena , não compactua com a dramaticidade e a paixão de outros pintores da época barroca como Zurbarán e Ribera . A tela apresenta a Virgem sentada em segundo plano diante de um tear , corpo de perfil e o rosto voltado para o menino Jesus . Ao chão um cesto de junco com tecido branco e linha . Ela enrola a linha num novelo de linha branca visto ao redor do tear . A casa é bastante humilde . José aparentando uns quarenta anos sentado num banco de madeira , o corpo inclinado à esquerda segura o menino Jesus encostado na sua perna direita , ele brinca com a mão elevada segurando um passarinho e o cãozinho ergue a pata como se quisesse alcançar o passarinho . Atrás de José vê-se uma mesa com suas ferramentas de carpintaria . Murilo representa a cena sem oferecer qualquer indicação de divindade dos personagens . O pintor preferiu a simplicidade no intuito de aproximar a Sagrada Família ao homem comum . A Luz entra pelo lado esquerdo , iluminando as figuras que importam ou melhor que dizem respeito a título do quadro Permitam-me lembrar que o passarinho é símbolo da paixão de Cristo !! Uma premonição?

Vocês notaram que através da obras artísticas fomos capazes de recordar a história da Virgem ? Essa é a magia da arte!!!